Galery van Europese en Amerikaanse kuns in Moskou. 6 skilderye wat die moeite werd is om te sien

Hierdie artikel is vir diegene wat nie vir die eerste keer na die Pushkin-museum gaan nie. Het jy al die meeste gesien die belangrikste meesterstukke van die kunsgalerye van Europa en Amerika (wat deel is van die Pushkin-museum en in 'n aparte gebou op Volkhonka, 14 in Moskou geleë is). EN "Blue Dancers" deur Degas. И "Jeanne Samari" Renoir. En die bekende “Waterlelies” deur Monet.

Nou is dit tyd om die versameling dieper te verken. En let op minder bevorderde meesterstukke. Maar steeds meesterstukke. Almal dieselfde groot kunstenaars.

En selfs diegene wat jy met jou eerste besoek aan die museum omseil het. Dit is onwaarskynlik dat jy dan voor "Girls on the Bridge" gestop het Edvard Munch. Of "oerwoud" Henri Rousseau. Kom ons leer hulle beter ken.

1. Francisco Goya. Karnaval. 1810-1820

Daar is net drie skilderye deur Francisco Goya in Rusland. Twee van hulle is in die Pushkin Museum (Derde skildery, "Portret van die aktrise Antonia Zarate" - in Hermitage. Daarom is dit die moeite werd om een ​​van hulle te oorweeg. Naamlik "Karnaval".

Sy is min bekend in die buiteland. Tog baie goyish. In sy gees. Sinister, spottend. Die karnaval vind gedurende die dag plaas. Maar dit voel of dit nag in die prentjie is. Die "vierende" mense lyk so skrikwekkend. Dis asof dit dronkaards en bandiete is wat soggens uitgegaan het om moeilikheid te maak.

Dit is miskien die donkerste karnaval wat ooit geskryf is. Sulke somberheid was kenmerkend van al Goya se laat werke. Selfs in meer kleurryke opdragwerke kon hy voorbodes van slegte dinge uitbeeld.

Ja, aan portret van die seun van aristokrate hy het katte met bose oë uitgebeeld. Hulle verpersoonlik die wêreld se boosheid, wat daarna streef om die onskuldige siel van 'n kind in besit te neem.

2. Claude Monet. Lila in die son. 1872

"Lilacs in the Sun" - die verpersoonliking impressionisme. Helder kleure. Glans van lig op klere. Kontras van lig en skaduwee. Gebrek aan presiese besonderhede. Dit lyk asof die beeld deur 'n sluier is.

As jy van impressionisme hou, sal hierdie skildery jou presies wys hoekom.

Klein kinders neem die wêreld waar sonder besonderhede, asof deur dik water. Ten minste, dit is hoe mense wat hulself op 2-3 jaar oud onthou hul herinneringe beskryf. Op hierdie ouderdom evalueer ons alles baie meer emosioneel. Daarom is die werke van die impressioniste, veral Claude Monet roep emosies by ons op. Meestal aangenaam, natuurlik.

"Lilac in the Sun" is geen uitsondering nie. Dit maak nie vir jou saak dat die gesigte van die vroue wat onder die bome sit nie sigbaar is nie. En selfs meer nog, hul sosiale status en die gespreksonderwerp is onverskillig. Jy sal oorweldig word deur emosies. Die begeerte om enigiets te ontleed, sal nie ontwaak nie. Want jy is soos in die kinderjare. Jy jubel. Jy is hartseer. Jy hou van. Jy is bekommerd.

Lees oor nog 'n wonderlike werk van Monet in Pushkinsky “Boulevard des Capucines. Ongewone feite oor die skildery”.

3. Vincent Van Gogh. Portret van dokter Ray. 1889

In die laaste jare van sy lewe was Van Gogh heeltemal oorgelewer aan kleur. Dit was in hierdie tyd dat hy sy beroemde geskep het "Sonneblomme." Selfs sy portrette is baie helder. "Portret van Doctor Ray" is geen uitsondering nie.

Blou baadjie. Groen agtergrond met geel-rooi wervelings. Te ongewoon vir die 19de eeu. Natuurlik het Dr Ray nie die geskenk waardeer nie. Hy het dit as 'n absurde prentjie van 'n geestesversteurde pasiënt ervaar. Ek het dit op die solder gegooi. Toe het hy die gat in die hoenderhok heeltemal daarmee toegemaak.

Trouens, Van Gogh het so 'n von doelbewus geskilder. Kleur was sy allegoriese taal. Krulle en helder kleure is die emosies van dankbaarheid wat die kunstenaar teenoor die dokter gevoel het.

Dit was immers hy wat Van Gogh gehelp het om aanvalle van geestesongesteldheid te hanteer ná die bekende gebeurtenis met sy afgesnyde oor. Die dokter wou selfs aan die kunstenaar se oorlel vaswerk. Maar dit het te lank geneem om haar by die hospitaal te kry (Van Gogh het sy oor aan 'n prostituut gegee met die woorde "Dit kan vir jou nuttig wees").

Lees oor ander werke van die meester in die artikel "5 meesterstukke van Van Gogh."

4. Paul Cezanne. Perskes en pere. 1895

Paul Cézanne het 'n boikot van fotografiese beelde verklaar. Net soos sy tydgenote die Impressioniste. Slegs as die impressioniste 'n vlugtige indruk uitgebeeld het, en besonderhede verwaarloos. Cezanne het hierdie besonderhede gewysig.

Dit is duidelik sigbaar in sy stillewe "Perskes en Pere". Kyk die prentjie van naderby. Jy sal baie verdraaiings van die werklikheid vind. Oortredings van die wette van fisika. Wette van perspektief.

Die kunstenaar dra sy eie siening van die werklikheid oor. Dis subjektief. En ons kyk deur die loop van die dag na dieselfde voorwerp vanuit verskillende hoeke. Dit blyk dus dat die tabel blykbaar van die kant af gewys word. En die tafelblad word amper van bo af gewys. Dit is asof sy op ons omval.

Kyk na die kruik. Die tabellyn links en regs daarvan val nie saam nie. En dit lyk of die tafeldoek selfs in die bord “vloei”. Die prentjie is soos 'n legkaart. Hoe langer jy kyk, hoe meer verdraaiings van die werklikheid vind jy.

Dis net 'n hanetreetjie van Picasso se kubisme en primitivisme af Matisse. Dit is Cezanne wat hul hoofinspirasie is.

5. Edvard Munch. Meisies op die brug. 1902-1903

Edvard Munch se kenmerkende styl is beïnvloed deur Van Gogh. Net soos Van Gogh gebruik hy kleur en eenvoudige lyne om sy emosies uit te druk. Net Van Gogh het vreugde en verrukking meer uitgebeeld. Munch – wanhoop, melancholie, vrees. Soos in die reeks skilderye "Scream".

"Girls on the Bridge" is geskep na die beroemde "Scream". Hulle is eenders. Brug, water, lug. Dieselfde wye golwe verf. Net anders as "Skreeu" dra hierdie prent positiewe emosies. Dit blyk dat die kunstenaar nie altyd in die greep van depressie en wanhoop was nie. Soms het hoop deurgebreek.

Die skildery is in die dorp Åsgardstan geskilder. Die kunstenaar was baie lief vir hom. Nou is alles daaroor nog dieselfde. As jy soontoe gaan, sal jy dieselfde brug en dieselfde wit huis agter 'n wit heining kry.

6. Pablo Picasso. Viool. 1912

Picasso het daarin geslaag om gedurende sy lewe in verskillende rigtings te werk. Alhoewel baie hom as 'n kubis ken. “Die viool” is een van sy treffendste Kubistiese werke.

Picasso het die viool heeltemal in dele “uitmekaargekap”. Jy sien een deel uit een hoek, die ander uit 'n heel ander hoek. Dit is asof die kunstenaar 'n speletjie met jou speel. Jou taak is om die verskillende dele verstandelik in 'n enkele voorwerp te plaas. Hier is so 'n skilderagtige rebus.

Baie binnekort sal Picasso, benewens doek- en olieverf, stukke koerantpapier en hout begin gebruik. Dit sal reeds 'n collage wees. Hierdie evolusie is nie verbasend nie. Inderdaad, in die 20ste eeu, met behulp van tegnologie, is dit so maklik om enige werk te sien en selfs 'n reproduksie te hê. En net 'n werk wat uit stukke van verskillende materiale gemaak word, word uniek. Dit kan nie meer so maklik weergegee word nie.

Lees oor 'n ander meesterstuk van die meester, wat in Pushkinsky in die artikel gehou word "Girl on a Ball" deur Picasso. Waaroor vertel die prentjie?

As jy weer die Pushkin Museum wil besoek, dan het ek my doel bereik. As jy nog nooit voorheen daar was nie, begin om sy meesterstukke uit die artikel te bestudeer "7 skilderye van die Pushkin Museum wat die moeite werd is om te sien."

***

Comments ander lesers sien onder. Hulle is dikwels 'n goeie toevoeging tot 'n artikel. Jy kan ook jou mening oor die skildery en die kunstenaar deel, asook die skrywer ’n vraag vra.