Amerikaanse kunstenaars. 7 meesters wat die wêreld verras het

Amerikaanse kunstenaars is baie uiteenlopend. Sommige was duidelik kosmopolities, soos Sargent. Amerikaans van oorsprong, maar het byna sy hele volwasse lewe in Londen en Parys gewoon.

Onder hulle is daar ook outentieke Amerikaners wat die lewens van slegs hul landgenote uitgebeeld het, soos Rockwell.

En daar is ook kunstenaars wat nie van hierdie wêreld is nie, soos Pollock. Of diegene wie se kuns 'n produk van die verbruikersgemeenskap geword het. Dit gaan natuurlik oor Warhol.

Hulle is egter almal Amerikaners. Vryheidsliewend, waaghalsig, helder. Lees omtrent sewe van hulle hieronder.

1. James Whistler (1834-1903)

Whistler kan kwalik 'n regte Amerikaner genoem word. Toe hy grootgeword het, het hy in Europa gewoon. En hy het sy kinderjare deurgebring ... in Rusland. Sy pa het 'n spoorlyn in St.

Dit was daar dat die seuntjie James op kuns verlief geraak het en die Hermitage en Peterhof besoek het danksy sy pa se verbintenisse (destyds was dit nog paleise wat vir die publiek gesluit was).

Waarvoor is Whistler bekend? In watter styl hy ook al skryf, van realisme tot tonalisme*, kan hy feitlik onmiddellik aan twee kenmerke herken word. Ongewone kleure en musikale name.

Sommige van sy portrette is nabootsing van ou meesters. Soos byvoorbeeld sy bekende portret "The Artist's Mother".

Die kunstenaar het 'n wonderlike stuk werk geskep met kleure wat wissel van liggrys tot donkergrys. En 'n bietjie geel.

Maar dit beteken nie dat Whistler van sulke kleure gehou het nie. Hy was 'n buitengewone mens. Hy kon maklik in die samelewing verskyn met geel sokkies en 'n helder sambreel. En dit was toe mans uitsluitlik in swart en grys geklee het.

Hy het ook baie ligter werke as “Moeder”. Byvoorbeeld, "Simfonie in wit". Dit is wat een van die joernaliste by die uitstalling die skildery genoem het. Whistler het van hierdie idee gehou. Sedertdien het hy byna al sy werke musikaal getiteld.

Maar toe, in 1862, het die publiek nie van die Simfonie gehou nie. Weereens, as gevolg van Whistler se eienaardige kleurskemas. Mense het gedink dit is vreemd om 'n vrou in wit op 'n wit agtergrond te verf.

Op die foto sien ons Whistler se rooiharige minnares. Heel in die gees van die Pre-Rafaeliete. Op daardie stadium was die kunstenaar immers bevriend met een van die hoofstigters van Pre-Raphaelism, Gabriel Rossetti. Skoonheid, lelies, ongewone elemente (wolfvel). Alles is soos dit moet wees.

Maar Whistler het vinnig wegbeweeg van Pre-Raphaelism. Aangesien dit nie uiterlike skoonheid was wat vir hom belangrik was nie, maar bui en emosies. En hy het 'n nuwe rigting geskep - tonalisme.

Sy landskap nocturnes in die styl van tonalisme is werklik soos musiek. Monochroom, viskeus.

Whistler het self gesê dat musikale titels help om op die skildery self, lyne en kleure te fokus. Terselfdertyd, sonder om te dink aan die plek en mense wat uitgebeeld word.

Tonalisme, soos sy naby impressionisme, in die middel van die 19de eeu was die publiek ook nie beïndruk nie. Te ver van die realisme wat destyds gewild was.

Maar Whistler sal tyd hê om te wag vir erkenning. Teen die einde van sy lewe sal mense gewillig begin om sy werk te koop.

2. Mary Cassatt (1844-1926)

Mary Cassatt is in 'n ryk familie gebore. Sy kon haar hele lewe sorgeloos leef. Trou en kry kinders. Maar sy het 'n ander pad gekies. Om 'n gelofte van selibaat af te lê ter wille van skilder.

Sy was bevriend met Edgar Degas. Een keer op Woensdag impressioniste, Ek was vir altyd gefassineer deur hierdie rigting. En haar “Girl in a Blue Chair” is die eerste impressionistiese werk wat die publiek gesien het.

Maar niemand het regtig van die prentjie gehou nie. In die 19de eeu is kinders uitgebeeld as gehoorsaam sittende engele, met gekrulde krulle en rooskleurige wange. En hier is 'n kind, wat duidelik verveeld is, wat in 'n te ontspanne posisie sit.

Maar dit was Mary Cassatt, wat nooit haar eie kinders gehad het nie, wat amper die eerste was wat hulle so natuurlik begin uitbeeld het, soos hulle is.

Vir daardie tyd het Cassatt 'n ernstige "fout" gehad. Sy was 'n vrou. Sy kon nie bekostig om alleen park toe te gaan om van die lewe te skilder nie. Verder, gaan na 'n kafee waar ander kunstenaars bymekaargekom het. Alle mans! Wat kon sy doen?

Skryf eentonige vroue-teepartytjies in sitkamers met marmer kaggels en duur teestelle. Die lewe is afgemete en eindeloos vervelig.

Mary Cassatt het nooit erkenning ontvang nie. Aanvanklik is sy verwerp vir haar impressionisme en die vermeende onvoltooide aard van haar skilderye. Toe, reeds in die 20ste eeu, het dit skerp "verouderd" geraak, aangesien Art Nouveau in die mode was (Klimt) en Fauvisme (Matisse).

Maar sy het tot die einde getrou gebly aan haar styl. Impressionisme. Sagte pastel. Moeders met kinders.

Ter wille van die skildery het Cassatt moederskap laat vaar. Maar haar vroulike sy het hom al hoe meer gemanifesteer in sulke teer werke soos “Slapende kind”. Dit is jammer dat die konserwatiewe samelewing haar eens met so 'n keuse gekonfronteer het.

3. John Sargent (1856-1925)

John Sargent was seker dat hy sy lewe lank 'n portretskilder sou wees. My loopbaan het goed gegaan. Aristokrate het tougestaan ​​om by hom te bestel.

Maar eendag, volgens die samelewing, het die kunstenaar die grens oorgesteek. Dit is nou vir ons moeilik om te verstaan ​​wat so onaanvaarbaar is in die film “Madame X”.

In die oorspronklike weergawe het die heldin weliswaar een van haar rieme omgehad. Sargent het haar “grootgemaak”, maar dit het niks gehelp nie. Bestellings het opgedroog.

Watter onwelvoeglike ding het die publiek gesien? En die feit dat Sargent die model in 'n te selfversekerde pose uitgebeeld het. Boonop is deurskynende vel en 'n pienk oor baie welsprekend.

Die prentjie blyk te sê dat hierdie vrou met verhoogde seksualiteit nie afkeer is daarvan om die vooruitgang van ander mans te aanvaar nie. Bowendien getroud wees.

Ongelukkig het tydgenote nie die meesterstuk agter hierdie skandaal gesien nie. 'n Donker rok, ligte vel, 'n dinamiese houding - 'n eenvoudige kombinasie wat net die mees talentvolle vakmanne kan vind.

Maar elke wolk het 'n silwer randjie. Sargent het sy vryheid in ruil daarvoor ontvang. Ek het meer met impressionisme begin eksperimenteer. Skryf aan kinders in onmiddellike situasies. Dit is hoe die werk "Anjer, Lily, Lily, Rose" verskyn het.

Sargent wou 'n spesifieke oomblik van skemer vasvang. Daarom het ek net 2 minute per dag gewerk wanneer die beligting geskik was. Het in die somer en herfs gewerk. En toe die blomme verdor het, het ek dit vervang met kunsmatige blomme.

In die afgelope dekades het Sargent so 'n smaak vir vryheid ontwikkel dat hy portrette heeltemal begin laat vaar het. Alhoewel sy reputasie reeds herstel is. Hy het selfs een kliënt onbeskof afgewys en gesê dat hy meer gelukkig sou wees om haar hek as haar gesig te verf.

Tydgenote het Sargent met ironie behandel. Om dit as uitgedien te beskou in die era van modernisme. Maar tyd het alles op sy plek geplaas.

Nou is sy werke niks minder werd as die werke van die bekendste moderniste nie. Wel, daar is niks te sê oor die liefde van die publiek nie. Uitstallings met sy werke is altyd uitverkoop.

4. Norman Rockwell (1894-1978)

Dit is moeilik om 'n gewilder kunstenaar gedurende sy leeftyd as Norman Rockwell voor te stel. Verskeie generasies van Amerikaners het met sy illustrasies grootgeword. Ek is lief vir hulle met my hele siel.

Rockwell het immers gewone Amerikaners uitgebeeld. Maar wys terselfdertyd hul lewens van die mees positiewe kant af. Rockwell wou nie bose vaders of onverskillige moeders wys nie. En jy sal geen ongelukkige kinders by hom ontmoet nie.

Sy werke is vol humor, ryk kleure en baie vaardig vasgevange gesigsuitdrukkings uit die lewe.

Maar dit is 'n illusie dat die werk vir Rockwell maklik was. Om een ​​skildery te skep, kan hy eers tot honderd foto's van sy onderwerpe neem om die regte gebare vas te vang.

Rockwell se werke het 'n geweldige invloed op die gedagtes van miljoene Amerikaners gehad. Hy het immers dikwels deur sy skilderye gepraat.

Tydens die Tweede Wêreldoorlog het hy besluit om te wys waarvoor sy land se soldate veg. Hy het ook die skildery "Freedom from Want" geskep. In die vorm van Thanksgiving, waar alle familielede, goed gevoed en tevrede, hulle verheug oor die gesinsvakansie.

Ná 50 jaar by die Saturday Evening Post het Rockwell na die meer demokratiese Look-tydskrif vertrek, waar hy sy mening oor sosiale kwessies kon uitspreek.

Die treffendste werk van daardie jare is "Die probleem waarmee ons leef."

Dit is die ware verhaal van 'n swart meisie wat na 'n wit skool gegaan het. Sedert daar 'n wet aangeneem is dat mense (en dus opvoedkundige instellings) nie meer deur ras geskei moet word nie.

Maar daar was geen beperking op die woede van die dorpsmense nie. Op pad skool toe is die meisie deur die polisie bewaak. Dit is die "roetine" oomblik wat Rockwell gewys het.

As jy die lewe van Amerikaners in 'n effens versierde lig wil leer ken (soos hulle dit self wou sien), kyk gerus na Rockwell se skilderye.

Miskien, van al die skilders wat in hierdie artikel aangebied word, is Rockwell die mees Amerikaanse kunstenaar.

5. Andrew Wyeth (1917-2009)

Anders as Rockwell was Wyeth nie so positief nie. Van nature 'n kluisenaar, hy het niks probeer versier nie. Inteendeel, hy het die mees gewone landskappe en onmerkwaardige dinge uitgebeeld. Net 'n koringland, net 'n houthuis. Maar hy het selfs daarin geslaag om iets magies in hulle te sien.

Sy bekendste werk is "Christina's World." Wyeth het die lot van een vrou, sy buurman, gewys. Van kleintyd verlam het sy op haar plaas rondgekruip.

Daar is dus niks romanties in hierdie prentjie nie, soos dit aanvanklik mag lyk. As jy mooi kyk, is die vrou pynlik maer. En met die wete dat die heldin se bene verlam is, verstaan ​​jy met hartseer hoe ver sy nog van die huis af is.

Met die eerste oogopslag het Wyeth die mees gewone ding geskryf. Hier is 'n ou venster van 'n ou huis. ’n Skamele gordyn wat reeds in flarde begin ontaard het. Die bos is donker buite die venster.

Maar daar is 'n misterie in dit alles. 'n Ander voorkoms.

Dit is hoe kinders weet hoe om met 'n oop gemoed na die wêreld te kyk. Wyatt lyk op dieselfde manier. En ons is by hom.

Al Wyeth se sake is deur sy vrou behartig. Sy was 'n goeie organiseerder. Dit was sy wat museums en versamelaars gekontak het.

Daar was min romanse in hul verhouding. Die muse moes verskyn. En sy het 'n eenvoudige, maar met 'n buitengewone voorkoms geword, Helga. Dit is presies wat ons in talle poste sien.

Dit wil voorkom asof ons slegs 'n fotografiese beeld van 'n vrou sien. Maar om een ​​of ander rede is dit moeilik om jouself van haar af te skeur. Haar voorkoms is te ingewikkeld, haar skouers gespanne. Dit is asof ons innerlik gespanne saam met haar is. Probeer om 'n verklaring vir hierdie spanning te vind.

Wyeth het die werklikheid in elke detail uitgebeeld en dit op magiese wyse toegerus met emosies wat mens nie onverskillig kan laat nie.

Die kunstenaar is vir 'n lang tyd nie erken nie. Met sy realisme, alhoewel magies, het dit nie by die modernistiese neigings van die 20ste eeu ingepas nie.

Toe museumwerkers sy werke gekoop het, het hulle dit rustig probeer doen, sonder om aandag te trek. Uitstallings is selde georganiseer. Maar tot die afguns van die moderniste het hulle altyd 'n dawerende sukses gehad. Mense het in groepe gekom. En hulle kom steeds.

Lees ook oor die kunstenaar in die artikel “Christina se wêreld. Andrew Wyeth se meesterstuk."

6. Jackson Pollock (1912-1956)

Jackson Pollock kan nie geïgnoreer word nie. Hy het 'n sekere grens in kuns oorgesteek, waarna skilderkuns nie dieselfde kon wees nie. Hy het gewys dat dit in kuns oor die algemeen moontlik is om sonder grense klaar te kom. Toe ek die doek op die vloer gelê het en dit met verf gespat het.

En hierdie Amerikaanse kunstenaar het begin met abstrakte kuns, waarin die figuurlike nog opgespoor kon word. In sy werk van die 40's, "Stenographic Figure," sien ons die buitelyne van beide die gesig en hande. En selfs simbole wat ons verstaan ​​in die vorm van kruise en nulle.

Sy werk is geprys, maar mense was nie haastig om dit te koop nie. Hy was so arm soos 'n kerkmuis. En hy het skaamteloos gedrink. Ten spyte van die gelukkige huwelik. Sy vrou het sy talent bewonder en alles vir haar man se sukses gedoen.

Maar Pollock was aanvanklik 'n gebroke persoonlikheid. Van sy jeug af was dit duidelik uit sy optrede dat vroeë dood sy lot was.

Hierdie gebrokenheid sal uiteindelik lei tot sy dood op die ouderdom van 44. Maar hy sal tyd hê om 'n rewolusie in kuns te maak en beroemd te word.

En hy het dit gedurende 'n tydperk van twee jaar van nugterheid gedoen. Hy kon in 1950-1952 met vrug werk. Hy het lank geëksperimenteer totdat hy by die druptegniek gekom het.

Hy het 'n groot doek op die vloer van sy skuur uitgelê en om dit geloop, asof hy in die skildery self was. En verf gespat of sommer net gegooi.

Mense het hierdie ongewone skilderye gewillig by hom begin koop vir hul ongelooflike oorspronklikheid en nuutheid.

Pollock is oorweldig deur roem en het in depressie verval, sonder om te verstaan ​​waarheen om volgende te beweeg. Die dodelike mengsel van alkohol en depressie het hom geen kans op oorlewing gelaat nie. Hy het eendag baie dronk agter die stuur ingeklim. Laaste keer.

7. Andy Warhol (1928-1987)

Slegs in 'n land met so 'n kultus van verbruik soos in Amerika kon popkuns gebore word. En die hoofinisieerder daarvan was natuurlik Andy Warhol.

Hy het bekend geword daarvoor dat hy die mees gewone goed geneem het en dit in 'n kunswerk omskep het. Dit is wat gebeur het met 'n blikkie Campbell se sop.

Die keuse was nie toevallig nie. Warhol se ma het vir meer as 20 jaar elke dag vir haar seun hierdie sop gevoer. Selfs toe hy na New York verhuis en sy ma saamgeneem het.

Ná hierdie eksperiment het Warhol in skermdrukwerk begin belangstel. Van toe af het hy foto's van popsterre geneem en dit in verskillende kleure geverf.

Dit is hoe sy bekende geskilderde Marilyn Monroe verskyn het.

'n Ontelbare aantal sulke Marilyn-suurblomme is geproduseer. Warhol het kuns in werking gestel. Soos dit in 'n verbruikersgemeenskap behoort te wees.

Warhol het nie uit die niet met geverfde gesigte vorendag gekom nie. En weereens was dit nie sonder die invloed van die ma nie. As kind het sy tydens haar seun se uitgerekte siekte vir hom pakke inkleurboeke gebring.

Hierdie kindertydstokperdjie het gegroei tot wat sy visitekaart geword het en hom fantasties ryk gemaak het.

Hy het nie net popsterre geskilder nie, maar ook die meesterstukke van sy voorgangers. Het dit ook gekry "Venus" deur Botticelli.

“Venus”, soos Marilyn, is al baie gedoen. Die eksklusiwiteit van 'n kunswerk is deur Warhol tot poeier "uitgevee". Hoekom het die kunstenaar dit gedoen?

Om ou meesterstukke te populariseer? Of, omgekeerd, probeer om hulle te devalueer? Popsterre verewig? Of speseryer die dood met ironie?

Sy gekleurde werke van Madonna, Elvis Presley of Lenin is soms meer herkenbaar as die oorspronklike foto's.

Maar die meesterstukke is skaars verduister. Nietemin, die ongerepte "Venus" bly van onskatbare waarde.

Warhol was 'n ywerige partytjiedier wat baie gemarginaliseerde mense gelok het. Dwelmverslaafdes, mislukte akteurs of bloot ongebalanseerde individue. Een daarvan het hom een ​​keer geskiet.

Warhol het oorleef. Maar 20 jaar later, weens die gevolge van ’n wond wat hy een keer opgedoen het, het hy alleen in sy woonstel gesterf.

Amerikaanse smeltkroes

Ten spyte van die kort geskiedenis van Amerikaanse kuns, is die reeks wyd. Onder Amerikaanse kunstenaars is daar die impressioniste (Sargent), die magiese realiste (Wyeth), die abstrakte ekspressioniste (Pollock) en die pioniers van popkuns (Warhol).

Wel, Amerikaners is lief vir vryheid van keuse in alles. Honderde denominasies. Honderde nasies. Honderde kunsstyle. Dit is hoekom dit die smeltkroes van die Verenigde State van Amerika is.

*Tonalisme - monochrome landskappe in grys, blou of bruin skakerings, wanneer die beeld asof in 'n mis is. Tonalisme word as 'n vertakking van impressionisme beskou, aangesien dit die kunstenaar se indruk oordra van wat hy gesien het.

***

Comments ander lesers sien onder. Hulle is dikwels 'n goeie toevoeging tot 'n artikel. Jy kan ook jou mening oor die skildery en die kunstenaar deel, asook die skrywer ’n vraag vra.

Engelse weergawe van die artikel